写真家ティボ・グレヴェのニューヨーク・シティ・バレエ・アート・シリーズコミッションでは、画像は段階的に構築され、準備、繰り返し、パフォーマンス、休息を経ていく – “ダンスのように”。それぞれが独自のビジュアル言語を持ち、踊り手の集中した顔のクローズアップ、リンバーンを打つソリストの全身像、風に吹かれる蛇行する非対称性のグループショット、そして、色が入ると、身体は水銀ランプの化学的な黄色を吸収する。

13年間にわたり視覚芸術家とダンスを結びつける年次シリーズを行ってきたNYCBが、グレヴェを招待した決定は理にかなっている。彼は以前バレエダンサーと一緒に仕事をしたことはなかったが、彼の被写体にはBMXライダーやフォーミュラワンカー、A$AP Rockyやキム・カーダシアンなどが含まれる。しかし、彼の「静止画」の多くには運動が内包されている。したがって、運動が彼のテーマである。しかし、もちろん、運動は写真家にとって制限を引き起こすものでもあり、必然的に捉えて凍結させる媒体である。

写真家は時間の流れから決定的な瞬間を見極め、引き出す。時に瞬間は明白であり、スケートボードのようなものもある。グレヴェは、「（スケートビデオを）バレエと比較したくはないが、同時に瞬間を捉える必要がある。反応して、トリックを正しく捉えるためにカメラの位置を理解する必要がある。ルールがある」と説明する。トリックは写真だ。しかし、トリックを見るためには、それ自体がボード、足、表面、空気の間の細かいジェスチャー、再配置、交渉の連続であるトリックが、前に何が起こったのか、次に何が起こるかを示さなければならない。早すぎれば、着地したかどうかがわからず、遅すぎれば、その存在理由を見逃すことになる。

画像と動き、表現と現実を融合しようとする数多くの戦略が存在する。これには、エドワード・マイブリッジによる1870年代の自動電気写真（走る馬から歩く女性まで）や、エティエンヌ＝ジュール・マレイによる1890年代の鳥の飛行や歩く女性の多重露光などが含まれる。会話の中で、グレヴェは、1940年代に電子フラッシュやストロボスコピックライトの美学を探求した最初の人物の一人であるジョン・ミリの影響を指摘している。グレヴェの画像とバレエダンサーの足が回転する車輪のスポークのように段階的に重なる関係は明白だ。しかし、実際には、彼のプロセスは計画されていなかった。「彼らが踊っている時に何度かフラッシュをたいたことがあり、偶然にも、これらの狂ったシーケンス画像を作り出した。それは深い黒い背景があったのでうまくいった。ダンサーたちは白い服を着ていた」と述べている。そして、「クロノ写真、すべての黒と白のフラッシュ画像」を認めつつ、グレヴェの本当の関心事は、「そのアプローチを2026年に持ち込むということが何を意味するか」と述べている。

グレヴェはグラフィックを学んでおり、ここでは、身体が空間内の直線と点のシステムとして読まれる。ダンサーと一緒に仕事をすることは喜びであり、「彼らが身体をどのように使い、手を置き、ジェスチャーをするか – すぐにグラフィカルになる」と述べている。しかし、画像が「実際であること」が重要であった。グレヴェは「2025年製の信じられないデジタルカメラ」を使用し、ポストプロダクションに慎重だった。「最初はバックパックを持って行ってスケーターを撮影していた。彼らは自分の環境で、自分のことをしようとしていた。何も偽物ではなかった。バレエが好きなのは、彼らがあなたが見ていることをしていたことだ – レンズの前のすべてが本物だった」と述べている。

私たちは、彼が写真と一緒に制作した映画について話し合いました。その映画は9か月以上かかりました。マイブリッジのプロトシネマに敬意を表しながら、映画はダンサーが前後に素早く動く中でストップモーションを使って遊びます。「私たちは映画でこのフレームごとの感覚を求めていて、ストップモーションは以前のビデオ制作の方法です」と述べて